El Día Mundial del Teatro (World Theatre Day) se celebra todos los años el 27 de Marzo.
de Xiomara J. Pages
Marzo 27, 2023
[Sacado de varias paginas de la internet: Dia hoy del TEATRO...
''TEATRO, DIA INTERNACIONAL
El Día Mundial del Teatro (World Theatre Day) se celebra todos los años el 27 de Marzo.
El día Mundial del Teatro se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (IIT). Se celebra anualmente el 27 de Marzo por los centros del IIT y la comunidad teatral internacional. Se organizan distintos eventos de teatro nacional e internacional para resaltar esta ocasión. Uno de los más importantes es la distribución del Mensaje Internacional tradicionalmente escrito por una personalidad del teatro de talla mundial invitada por el Instituto Internacional del Teatro.
HISTORIA DEL TEATRO
La Historia del teatro estudia la evolución del arte dramático a través del tiempo. El concepto de teatro es muy amplio: cualquier grupo de gente que desarrolla un espectáculo en un tiempo y espacio determinados forman un espectáculo teatral. El teatro tiene una base literaria, un guion o argumento escrito por un dramaturgo. Pero ese texto dramático requiere una puesta en acción, para la cual es imprescindible la interpretación por medio de actores o personajes que desarrollen la acción, así como elementos como la escenografía y decorados, la iluminación, el maquillaje, el vestuario, etc. Ciertos espectáculos pueden ser igualmente sin texto, como en el caso de la mímica y la pantomima, donde destaca la expresión gestual. Por otro lado, un elemento indispensable para la comunicación es la presencia de un público. El teatro tiene una función de socialización de las relaciones humanas, ya que presenta cierto grado de ritualización.
Los orígenes del teatro se encuentran en antiguos ritos de origen prehistórico, donde el ser humano empezó a ser consciente de la importancia de la comunicación para las relaciones sociales. Ciertas ceremonias religiosas tenían ya desde su origen cierto componente de escenificación teatral. En los ritos de caza, el hombre primitivo imitaba a animales: del rito se pasó al mito, del brujo al actor.
En África, los ritos religiosos mezclaban el movimiento y la comunicación gestual con la música y la danza, y objetos identitarios como las máscaras, que servían para expresar roles o estados de ánimo. Estos ritos reforzaban la identidad y la cohesión social: los gun de Porto Novo (Benín) hacen el kubitó, ceremonia mortuoria donde los participantes, con técnicas de prestidigitación, desaparecen del público; los ibo de Nigeria celebran el odo, sobre los muertos que retornan; los dogon de Malí practican el sigui cada 60 años, en celebración del primer hombre que murió; los abidji de Costa de Marfil tienen el dipri, fiesta agrícola de año nuevo, donde se clavan cuchillos en el vientre, cicatrizando luego las heridas con una pasta. En la América precolombina se desarrolló una forma de teatro en las culturas maya, inca y azteca: el maya estaba relacionado con fiestas agrícolas, e ilustraba historias del Popol Vuh; el azteca desarrolló notablemente la mímica, y tenía dos vertientes, una religiosa y otra burlesca; el inca, escrito en quechua, servía a intereses del estado.....
TEATRO ANTIGUO
En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramático». El teatro griego evolucionó de antiguos rituales religiosos (komos); el ritual pasó a mito y, a través de la «mímesis», se añadió la palabra, surgiendo la tragedia. A la vez, el público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia, la cual tenía un componente educativo, de transmisión de valores, a la vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»). Más adelante surgió la comedia, con un primer componente de sátira y crítica política y social, derivando más tarde a temas costumbristas y personajes arquetípicos. Apareció entonces también la mímica y la farsa. Los principales dramaturgos griegos fueron: Esquilo, Sófocles y Eurípides en tragedia, mientras que en comedia destacaron Aristófanes y Menandro.
El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así los ludiones, actores que bailaban al ritmo de las tibiae –una especie de aulos–; más tarde, al añadirse la música vocal, surgieron los histriones –que significa «bailarines» en etrusco–, que mezclaban canto y mimo (las saturae, origen de la sátira). Al parecer, fue Livio Andrónico –de origen griego– quien en el siglo III a.C. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia.
El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro), predominando en este último el mimo, la danza y el canto (pantomima). Como autores destacaron Plauto y Terencio.
En el Oriente destacó el teatro indio, que tiene su origen en el Nāṭya-śāstra, libro sagrado de Brahma comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni, donde se habla de canto, danza y mímica. Generalmente, la temática es de signo mitológico, sobre las historias de los dioses y héroes indios. La representación es básicamente actoral, sin decorados, destacando únicamente el vestuario y el maquillaje. Había diversas modalidades: de siete actos; y , de diez actos. Como dramaturgos se destacaron Kālidāsa y Śūdraka.
TEATRO MEDIEVAL
El teatro medieval era de calle, lúdico, festivo, con tres principales tipologías: «litúrgico», temas religiosos dentro de la Iglesia; «religioso», en forma de misterios y pasiones; y «profano», temas no religiosos. Estaba subvencionado por la Iglesia y, más adelante, por gremios y cofradías. Los actores eran en principio sacerdotes, pasando más tarde a actores profesionales. Las obras fueron en primer lugar en latín, pasando a continuación a lenguas vernáculas. El primer texto que se conserva es el Regularis Concordia, de San Æthelwold, que explica la representación de la obra Quem quaeritis?, diálogo extraído del Evangelio entre varios clérigos y un ángel. El teatro medieval se desarrolló en tres principales tipologías: «misterios», sobre la vida de Jesucristo, con textos de gran valor literario y elementos juglarescos; «milagros», sobre la vida de los santos, con diálogos y partes danzadas; y «moralidades», sobre personajes simbólicos, alegóricos, con máscaras tipificadas. En esta época nació el teatro profano, con tres posibles orígenes –según los historiadores–: la imitación de textos latinos de Terencio y Plauto; el arte polivalente de los juglares; o los pequeños divertimentos escritos por autores de signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiástica.
En la India, el teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desde época antigua, en espectáculos donde, junto a dramas de tipo mitológico sobre la cosmogonía hindú, destacaban el canto, la danza y la mímica. En esta época destacaron dos modalidades principales: el mahanataka (gran espectáculo), sobre las grandes epopeyas indias; y el dutangada, en que un actor recita el texto principal mientras otros, lo escenifican con ayuda del mimo y la danza.
En Japón apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō, drama lírico-musical en prosa o verso, de tema histórico o mitológico. Su origen se sitúa en el antiguo baile kakura y en la liturgia sintoísta, aunque posteriormente fue asimilado por el budismo. Está caracterizado por una trama esquemática, con tres personajes principales: el protagonista (waki), un monje itinerante y un intermediario. La narración es recitada por un coro, mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual, en movimientos rítmicos. Los decorados son austeros, frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon.
TEATRO DE LA EDAD MODERNA
El teatro renacentista acusó el paso del teocentrismo (o concentracion solo en Dios)....al antropocentrismo, con obras más naturalistas, de aspecto histórico, intentando reflejar las cosas tal como son. Se buscaba la recuperación de la realidad, de la vida en movimiento, de la figura humana en el espacio, en las tres dimensiones, creando espacios de efectos ilusionísticos, en trompe-l'oeil. Surgió la reglamentación teatral basada en tres unidades (acción, espacio y tiempo), basándose en la Poética de Aristóteles, teoría introducida por Lodovico Castelvetro. En torno a 1520 surgió en el norte de Italia la Commedia dell'arte, con textos improvisados, en dialecto, predominando la mímica e introduciendo personajes arquetípicos como Arlequín, Colombina, Pulcinella (llamado en Francia Guignol), Pierrot, Pantalone, Pagliaccio, etc. Como principales dramaturgos destacaron Niccolò Machiavelli, Pietro Aretino, Bartolomé Torres Naharro, Lope de Rueda y Fernando de Rojas, con su gran obra La Celestina (1499).
En Inglaterra descolló el teatro isabelino, con autores como Christopher Marlowe, Ben Jonson, Thomas Kyd y, especialmente, William Shakespeare, gran genio universal de las letras (Romeo y Julieta, 1597; Hamlet, 1603; Otelo, 1603; Macbeth, 1606).
En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia, basada en la ineluctabilidad del destino, con un tono clásico, siguiendo las tres unidades de Castelvetro. La escenografía era más recargada, siguiendo el tono ornamental característico del Barroco. Destacan Pierre Corneille, Jean Racine y Molière, representantes del clasicismo francés.
En España el teatro era básicamente popular («corral de comedias»), cómico, con diversas modalidades: bululú, ñaque, gangarilla, cambaleo, garnacha, farándula, compañía, etc. Destacaron Tirso de Molina, Guillén de Castro, Juan Ruiz de Alarcón y, principalmente, Lope de Vega (El perro del hortelano, 1615; Fuenteovejuna, 1618). y Pedro Calderón de la Barca (La vida es sueño, 1636; El alcalde de Zalamea, 1651).8........................
TEATRO DE LA Comédie-Française (siglo XVIII)
En el siglo XVIII el teatro siguió modelos anteriores, contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia, que abandonó la vulgaridad, se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. También se desarrolló el drama, situado entre la tragedia y la comedia. La escenografía era más naturalista, con un mayor contacto entre público y actores. Los montajes solían ser más populares, atrayendo un mayor público, dejando el teatro de estar resevado a las clases altas. Al organizarse espectáculos más complejos, empezó a cobrar protagonismo la figura del director de escena. Como dramaturgos destacan Pietro Metastasio, Pierre de Marivaux, Pierre-Augustin de Beaumarchais y Voltaire. En España, Nicolás Fernández de Moratín se enmarca en la «comedia de salón» dieciochesca, con base en Molière.
El teatro neo-clásico tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII, siendo su principal característica la inspiración en modelos clásicos greco-romanos, seña de identidad de esta corriente. Destacan: Vittorio Alfieri, Richard Brinsley Sheridan y Gotthold Ephraim Lessing y, en España, Leandro Fernández de Moratín y Vicente García de la Huerta.
En la India, el teatro derivó en esta época del antiguo dutangada –donde predominaba la danza y la mímica– a una nueva modalidad denominada kathakali, que igualmente ponía énfasis en la música y la gestualidad. En esta interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos (mudras, con 24 posiciones básicas y otras combinadas), así como la expresión del rostro y los movimientos de los ojos (navarasya). También tenía importancia el maquillaje, donde los colores eran simbólicos, identificando al rol o personaje.
[ESTO LO PUDE OBSERVAR YO MISMA, EN LA ÓPERA CHINA HACE UNOS CUANTOS AÑOS ATRáS EN LA OPERA CHINA QUE VISITABA COSTA RICA, CUANDO YO RESIDíA EN ESE PAíS, POR 1974 a 1976]
En Japón surgió la modalidad del kabuki, que sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza, con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas. Así como el nō era de tono aristocrático, el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. La puesta en escena era de gran riqueza, con decorados donde destacaba la composición cromática, vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico, representando según el color diversos personajes o estados anímicos. La dicción era de tipo ritual, mezcla de canto y recitativo, en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
Melodrama (1856-1860), de Honoré Daumier, Neue Pinakothek de Múnich.
Siglo XIX El teatro romántico tuvo dos notables antecedentes en el Sturm und Drang con Johann Christoph Friedrich von Schiller (Don Carlos, 1787; Guillermo Tell, 1804) y Johann Wolfgang von Goethe (Fausto, 1808). Como en el resto de la literatura romántica, destaca por el sentimentalismo, el dramatismo, la predilección por temas oscuros y escabrosos, la exaltación de la naturaleza y del folklore popular.
Surgió un nuevo género, el melodrama, y se popularizaron los espectáculos de variedades (vaudeville). Sus mejores exponentes fueron: Georg Büchner, Christian Dietrich Grabbe, Juliusz Słowacki, Alfred de Musset, Victor Hugo, Francisco Martínez de la Rosa, el Duque de Rivas, Antonio García Gutiérrez, José Echegaray, José Zorrilla (Don Juan Tenorio, 1844), etc...
Con el teatro realista nació el teatro moderno, pues sentó las bases del que sería el teatro del siglo XX.
Se puso énfasis en el naturalismo, la descripción minuciosa de la realidad, no sólo en la temática y el lenguaje, sino también en decorados, vestuario, atrezzo, etc. La interpretación era más veraz, sin grandes gesticulaciones ni dicción grandilocuente, como en la «representación antiteatral» –actuar como en la vida real, como si no se estuviese en un teatro– de André Antoine y su Théâtre Libre –donde por primera vez se iluminó sólo el escenario, dejando al público a oscuras–. A un periodo prenaturalista corresponden Eugène Scribe, Victorien Sardou y Eugène Labiche. Destacó especialmente el teatro nórdico, con figuras como Björnstjerne Björnson, August Strindberg y Henrik Ibsen (Uno de mis favoritos, "Casa de Muñeca") . Otros autores fueron: Frank Wedekind, Anton Chejov, Adelardo López de Ayala, Manuel Tamayo y Baus, Àngel Guimerà, etc.
El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculo total» wagneriano, destacando por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico y trascendente, buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación, con preferencia por los temas míticos y las leyendas, de influjo esotérico y teosófico. Destacaron Auguste Villiers de l'Isle-Adam, Paul Claudel, Maurice Maeterlinck y Émile Verhaeren.
Siglo XX
Ej. Bodas de sangre, de Federico García Lorca.
El teatro del siglo XX ha tenido una gran diversificación de estilos, evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual del teatro y no sólo el literario. Se avanza en la técnica interpretativa, con mayor profundización psicológica (método Stanislavski, Actors Studio de Lee Strasberg), y reivindicando el gesto, la acción y el movimiento. Se abandonan las tres unidades clásicas y comienza el teatro experimental, con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo, retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. Cobra cada vez mayor protagonismo el director teatral, que muchas veces es el artífice de una determinada visión de la puesta en escena (Vsevolod Meyerhold, Max Reinhardt, Erwin Piscator, Tadeusz Kantor).
Entre los diversos movimientos teatrales conviene reseñar:
el expresionismo (Georg Kaiser, Fritz von Unruh, Hugo von Hofmannsthal);
el «teatro épico» (Bertolt Brecht, Peter Weiss, Rainer Werner Fassbinder);
el «teatro del absurdo», vinculado al existencialismo (Antonin Artaud, Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Albert Camus);
y los Angry young men, de signo inconformista y antiburgués como (John Osborne, Harold Pinter (que no me gusta mucho), y Arnold Wesker)....
Otros autores destacados son: George Bernard Shaw, Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Tennessee Williams, Eugene O'Neill, Arthur Miller, John Boynton Priestley, Dario Fo, etc
En España destacan Federico García Lorca, Ramón María del Valle-Inclán, Jacinto Benavente, Miguel Mihura, Alejandro Casona, Antonio Buero Vallejo, Alfonso Paso y Fernando Arrabal.
Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro épico, buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales que afecten al espectador (The Living Theatre, teatro-laboratorio de Jerzy Grotowski, acciones de happening). Los nuevos directores han agregado a este «teatro de provocación» una conciencia estilística basada en la ceremonia, el divertimento y el exhibicionismo (Peter Brook, Giorgio Strehler, Luca Ronconi). El lenguaje oral queda así doblado por el visual, y el arte dramático recupera en cierta forma su antigua ambición de «teatro total». Esto se pone de manifiesto en varios grupos españoles, como Els Joglars, Els Comediants y La Fura dels Baus, o el grupo canadiense Cirque du Soleil. ..'''
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Quiero también yo personalmente adicionar, que a las mujeres no les era permitido actuar en el teatro... En tiempos de Shakespeare, eran los hombres los que actuaban vestidos como mujeres.... y aprendían, no solo a vestirse, maquillarse, etc...sino la forma, y los ademanes femeninos a la perfección.... Una dama decente no podía actuar en el teatro, ya que eran de por sí ambulantes en esa época... Pero la verdadera razón, era que en el fondo había una relación con la prostitución y el concubinato.
En el teatro más primitivo ... (recuerdo los Bizantinos, que no fueron como el griego ni el romano, ya que los conservadores cristianos miraban al teatro como un lugar de corrupción..aunque dieron mucho auge a los Mimos....) pues si, en el teatro primitivo, las primeras actrices, por lo general tenían un amante o patrocinador, que las mantenía en una suerte de concubinato. La actuación era solamente para "venderse" a los hombres. Por lo tanto la profesión fue degenerando ... Incluso siendo el teatro sólo masculino al principio, muchos actores hombres, se convertían en amantes de hombres más ricos , especialmente los que representaban a mujeres (hay un filme que lo muestra, "Mi Amada Concubina") ...
Además, el teatro era ambulante, en carpas y rincones, iban de un sitio a otro y para esto, una mujer, una verdadera dama, no podia formar una familia, tener marido o hijos, ni obligaciones. Y a eso, sumarle que casi todos los actores gastaban buena parte de su dinero en bebida, y en fin, las actrices no tenían muy buena reputación...se les veía como mujeres fáciles, porque según ellos, el teatro ''no era una de las actividades propias de una dama.''
Además,
las mujeres sólo podían desempeñar roles sentimentales, no racionales
(y el teatro era tal vez muy intelectual para las mujeres). Se suponia
que los que actuaban en obras teatrales eran personas de clases bajas o
medias, o los bufones para conseguir dinero, así que trabajar en un
teatro, era una humillación para la mujer, restándole honor y
prestigio.
Además, una mujer dependía económicamente, de su padre o marido, y era el hombre quien salía a conseguir el dinero, no ellas .
Los actores debían tener gran fortaleza física puesto que iban de un pueblo a otro cargando todos sus bártulos, y las mujeres no podían hacer eso. En ocasiones los actores se quedaban a dormir en el campo raso y se suponía que las mujeres no podían hacer eso. Algunas mujeres sí actuaban, pero eran muy mal vistas por todos los ciudadanos. También las mujeres eran medio analfabetas como para aprenderse el papel que los hombres si podían memorizar. Por cierto, el primer papel desempeñado por una mujer inglesa fue el de Desdémona, en Otelo, hacia el 1630. Shakespeare ya había muerto en 1616.
y hubo hombres que aprendieron tan bien el papel de actuar como mujeres, que cuando las mujeres comenzaron a actuar en los teatros, ellos se suicidaron, porque no sabían hacer otra cosa, aprendieron los ademanes de una mujer a la perfección.
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Hubo épocas donde, y todavía en algunos países, la mujer no era dueña de su propio destino. La mujer no podía decirle a sus padres o a su esposo, ''Abur, me voy de esta casa y si te veo, no te conozco.''
Cada época en la historia
universal de las naciones fue, y es diferente. Primero el domino de la
religión donde la mujer tenía una posición secundaria, en la política
eran un cero a la izquierda, y sobre todo en países machistas, las
mujeres se utilizaban como instrumento sexual y para parir hijos y
cuidar de la casa o de la finca, nada más.
Es en el siglo XIX [diez y nueve] que
movimientos feministas en Inglaterra y en los Estados Unidos, las mujeres
comienzan a obtener derechos como votar en las elecciones, ir a las
universidades y en Francia, Napoleón les dió el derecho al divorcio.
Los
países suprimieron la voz de la mujer y su papel en la sociedad. Solo
la realeza le permitía a las mujeres el dirigir gobiernos, como Las
Reinas y otras damas que eran dueñas de grandes extensiones de terrenos.
En
las culturas indígenas de América habían mujeres caciques y en la
mayoría los reyes no eran seleccionados porque el candidato era el hijo
del Rey. En tribus norteamericanas las mujeres de la tribu podían
escoger a un Cacique o Rey. En las tribus caribeñas el Cacique tenia que
ser el hijo varón de las tías del Rey.
Como se puede apreciar, ante la cultura mundial occidental, no era visto con buenos ojos que una mujer actuara en un teatro.
Otra explicación. El teatro, hasta el Renacimiento y posteriormente, respetaba las reglas clásicas del teatro griego clásico. Y si en ese tipo de teatro en los coros no se utilizaban mujeres o no habían actrices, los hombres se vestían de mujer para hacer papeles femeninos, entonces es lógico pensar que ellos también, en este casos los ingleses, respetaron esa costumbre de no utilizar mujeres.
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